28 февраля в Государственной Третьяковской галерее открылась выставка Бориса Орлова «Фантомные боли». Проект осуществлен совместно с Культурным Фондом «АртХроника». Экспозиция, разделенная на две части – «Безжалостный Хронос» и «Опыты реставрации» – посвящена формированию визуальной репрезентации идеологических конструктов, то теряющих силу и ветшающих с ходом истории, то вновь пробивающихся на поверхность сквозь застарелую патину времени.

Выставка открыта в Государственной Третьяковской галерее на Крымском валу (Москва, Крымский вал, д. 10) до 23 июня 

«Проект “Фантомные боли” продолжает и обостряет рефлексии на темы гибели империи, безжалостного времени и его героев, – сообщается в пресс-релизе проекта. – Экспозиция включает 23 произведения, среди которых скульптурные и живописные объекты и настенные рельефы. Название проекта отсылает к чему-то утраченному, но постоянно – болезненно или просто навязчиво – напоминающему о себе как о существующем. Такой утраченной, но оказавшейся благодатным источником идей и вдохновения для художника стала советская эпоха. В своих произведениях Б.Орлов выступает и как отстраненный свидетель исторического перелома, крушения прежних устоев страны, и, одновременно с этим, как участник происходящего. Б.Орлов «расчищает» воспоминания о советской империи, ее культурные и социальные коды, деконструирует мифы и создает новые».

Проект будет состоять из двух частей – «Безжалостный Хронос» и «Опыты реставрации». «В первой художник размышляет о неотвратимости забвения, тщетности попыток удержать в памяти образы советской эпохи как идеалы, ориентиры, связывающие поколения, – сообщается в пресс-релизе выставки. – Б.Орлов сталкивает общественную память, запечатлевшую героев, характерные типажи, исторические сцены 1920–1940-х годов на узнаваемых фотографиях А.М.Родченко, Е.А.Халдея и других фотографов с Временем, все поглощающим и предающим забвению. Произведения представляют собой крупноформатные живописные объекты, исполненные на высокотехнологичном композитном материале – дибонде».

Борис Константинович Орлов – один из ярких представителей искусства советского андеграунда 1970– 1980-х годов. В среде московских концептуалистов вместе с А.С.Косолаповым и Л.П.Соковым Б.Орлов развивал идеи соц-арта. Иронизируя над идеологическими и визуальными штампами советского времени, он создавал скульптурные объекты-тотемы, увешанные орденами, медалями и другими атрибутами власти, которые тиражировались и внедрялись в массовое сознание через экраны телевизоров, наглядную агитацию, все сферы жизни.

Выставка открыта с 1 марта по 23 июня.

Здание Государственной Третьяковской галереи в Лаврушинском переулке © tretyakovgallery.ru

Градостроительно-земельная комиссия Москвы 13 декабря согласилась с оформлением проектов градостроительных планов земельных участков для создания новых корпусов Государственной Третьяковской галереи. Об этом сообщается на сайте Москомстройинвеста.

Новые объекты будут построены для развития материально-технической базы Федерального государственного учреждения культуры «Всероссийское музейное объединение “Государственная Третьяковская галерея”».

На сайте ведомства отмечается, что по адресу Малый Толмачевский пер., вл. 1—3 появится социально-культурный объект площадью 10 179 кв. м. По адресу Малый Толмачевский пер., вл. 5—7 планируется возвести социально-культурный объект площадью 4563 кв. м.

На участке, ограниченном адресами Лаврушинский пер., вл. 4, стр. 1, 4; вл. 6, стр. 1; вл. 8; вл. 10, стр. 1, 4, 6; вл. 12; Кадашевская наб., вл. 10, стр. 1; вл. 12; Малый Толмачевский переулок, вл. 9, планируется реконструкция с расширением существующих корпусов и новое строительство общей площадью 20 358 кв. м. В настоящее время на участке расположено 9 строений.

Работы будут проводиться в соответствии с ограничениями по объединенным охранным зонам объектов культурного наследия и водоохранным зонам. Максимальная высота зданий составит 4—5 этажей.

Источник: invest.mos.ru

По мнению СЕРГЕЯ ХАЧАТУРОВА, новая выставка рисунков в Третьяковке даже в привычном для галереи графическом калейдоскопе образует узор уж слишком замысловатый

В старом здании Третьяковской галереи до конца февраля будущего года можно посмотреть экспозицию без названия, с одним подзаголовком: «Русский рисунок и акварель второй половины XIX – начала XX века из собрания ГМИИ им. А.С. Пушкина». Эта экспозиция адресована гурманам, способным оценить обаяние самого непосредственного, напрямую обеспечивающего связь глаза – мысли – руки – карандаша (кисти) вида искусства: графики, а также находящим особое удовольствие в сличении и сопоставлении уже виденного и знакомого.

Зичи М. А. За чтением. Молодой человек (Утро). 1867

Экспозиции, организованные в анфиладе залов 49–54 Третьяковки в Лаврушинском переулке, по традиции самые аристократичные и тонкие, не рассчитанные на легковесную медийную славу и популярность. Организованы эти экспозиции «графинями», сотрудницами отдела графики Третьяковской галереи. Скрупулезно и без ажитации «графини» собирают малоизвестные, из-за особой чувствительности к свету и влажности хранящиеся всегда в запасниках рисунки, акварели, гуаши, гравюры русских художников, и ненадолго показывают их в согласии с монографическим, хронологическим или тематическим принципами. Выходит такая параллельная история отечественного искусства, которая в драгоценных подробностях улавливает в сети быстрых и виртуозных росчерков рождение художественной идеи, замысла – интенцию. В отличие от выставок живописи и монументальных жанров экспозиции рисунков требуют от зрителя большего соучастия и труда сопереживания самому процессу рождения и становления формы.

Однако даже в привычном для ГТГ графическом калейдоскопе новая выставка образует узор уж слишком замысловатый. Во-первых, экспозиция собрана из графической коллекции празднующего столетний юбилей Государственного музея изобразительных искусств имени А.С. Пушкина. Это гостевая выставка. Во-вторых, выбраны периоды не самые востребованные сегодня: поздний романтизм, передвижничество. Правда, на десерт: декаданс и модерн. В-третьих, кураторы предложили сугубо знаточеские темы: как отдельные листы из ГМИИ смотрятся в зеркало композиций ГТГ. В частности, хранящаяся в ГМИИ акварель КонстантинаСомова«Как одевались в старину» с дамой и кавалером XVIII века отражается в парной ей акварели «Как одеваются теперь» с модниками эпохи модерн из Третьяковки. Похожие на дрему наяву эскизы Виктора Борисова-Мусатова из двух музеев соединяют в большой, будто фресковый цикл спящие статуи, сомнамбулических дам и плетеную листву усадебных пейзажей. Иван Шишкин известен тем, что небезуспешно пытался сломать традицию исключительного приоритета изображений в русской живописи бесснежных сезонов. О том, как непросто ему давалась передача фактуры снежного покрова, свидетельствуют этюд укрытых белым одеялом сосновых веток из Музея изобразительных искусств и пастель с парадным портретом сосны зимней ночью «На Севере диком…» Совершенны наделенные особым ювелирным взглядом версальские пейзажи Александра Бенуа. У него был дар прикасаться к Версалю, его архитектуре, скульптуре, природе, силуэтам тем самым «смычком Паганини», о котором говорил применительно к искусству живописи Карл Брюллов. Зябко кутающееся в драпировку мраморное изваяние с акварельного «Перекрестка философов» из ГМИИ узнает себя в гуаши «Фантазия на Версальскую ему» из ГТГ. Встречи в зазеркалье двух музеев можно продолжить…

Шишкин И. И. Ветки под снегом. Этюд к картине «На севере диком...». 1890

Любопытно, что сама тема зеркального отражения имманентна графическому искусству, а именно – печатной графике. Ведь оттиски с деревянных, металлических, иных пластин создаются в зеркальном отражении. На Третьяковской выставке из ГМИИ можно познакомиться с образцами совсем не популярной графической техники papier-pelle, которая предполагает процарапывание загрунтованной тонким слоем гипса бумаги. Получается завораживающая странным белым сиянием оптическая иллюзия, очень красивая в работах А. Боголюбова, И. Левитана, Ф. Львова, В. Самойлова.

Непарадная презентация русского искусства на новой выставке сулит встречи с загадочными незнакомцами-призраками, блуждающими по непроторенным дорожкам истории. От созданной Ф.Л. Соллогубом акварельной полусферы эскиза раскрытого веера с витязем и совами ниточки тянутся к сказочным богатырям и колдуньям Билибина, далее – к сотканным из пены морской существам Денисова… Далее… Впрочем, далее волшебный клубок графических ниточек каждый пусть распутывает индивидуально.

Сергей Хачатуров

Выставка «Русский рисунок и акварель второй половины XIX – начала XX века из собрания ГМИИ им. А.С. Пушкина» продлится в Государственной Третьяковской галерее (Москва, Лаврушинский пер., д. 10) до 24 февраля.

По мнению СЕРГЕЯ ХАЧАТУРОВА, выставка «Натюрморт. Метаморфозы» в Третьяковской галерее очень тонко и точно обнажает механизм присутствия феномена кунсткамеры в русской культуре

На выставке «Натюрморт. Метаморфозы», что открыта до 24 февраля 2013 года в Третьяковской галерее на Крымском валу, совсем нет, казалось бы, неизбежных для темы русского натюрморта гигантских и жирных полотен бубнововалетовцев Машкова, Кончаловского. Отсутствуют их же опусы периода развитого соцреализма. Ну, как же угодить в тему натюрморта, да без «орденоносной» «Сирени» товарища Кончаловского? Своей тонкой и умной логикой выставка убедила, что без ражей бубнововалетовской и соцреалистической плоти экспозиция натюрморта только выиграла.

Работавший некогда в Третьяковке профессор Московского государственного университета Михаил Алленов рассказывает, что на правах лаборанта был занят тем, что писал учетные карточки по поводу состояния различных картин и графических листов. В случае с графикой и черными точками на ней употреблялось красивейшее словосочетание «мушиный засид». Когда от его частого употребления наступила беспросветная тоска и скука, от которой «и мухи мрут», Михаил Михайлович относительно одного листа сделал экспертное заключение: «В правом верхнем углу – мушиный засид, в левом нижнем – мышиный угрыз».

Выставка «Натюрморт. Метаморфозы» во многом и посвящена феномену этого вот «мушиного засида» в истории русского изобразительного искусства. Главные ее герои: предметный мир на натюрмортах XVIII – первой половины XIX века в диалоге с неофициальным искусством последней трети века двадцатого. Собственно сюжет: превращения, метаморфозы тварного мира, запечатленные в артефактах, составляющих затейливую и обворожительную в деталях кунсткамеру. На материале собранных сотрудниками ГТГ при участии многих музеев и коллекций и под руководством куратора Светланы Усачевой раритетов выставка очень тонко и точно обнажает механизм присутствия феномена кунсткамеры в русской культуре.

И.Ф. Хруцкий. Цветы и плоды. 1839. Государственная Третьяковская галерея

Дитя эпохи барокко, кунсткамера была квинтэссенцией научного освоения мира в модальности «Вечность как Вещность». Уместно вспомнить еще один девиз барокко: vincit dum vincit – «побеждает, пока связывает», универсальный принцип, согласно которому единая Цепь Бытия соединяла все многообразие процессов и явлений. И натюрморт выполнял роль не бездумной забавы, а научного во многом инструментария в изучении Вселенной. Воссоздавая кистью или пером предметную тактильность, визуальное роскошество живущих тихой жизнью вещичек (Stilleben, «тихая жизнь» по-немецки, – более точный перевод того «натюрморта», что собран на выставке, в отличие от французской «мертвой природы», nature morte), художники времен кунсткамерного знания прежде всего каталогизировали весь тварный мир. И не только. В своих иллюзионистических обманках они поднимали естественнонаучные проблемы возможностей современной оптики и философские проблемы соотношения в искусстве реальности и иллюзии, природы творящей и сотворенной, подражательной (миметической) и воображаемой. Ну и, конечно же, натюрморт для мастеров барокко и Просвещения был поводом исследовать фундаментальные бытийственные категории: Пространство и Время. Без виртуозного владения навыками передачи пространства невозможно достичь совершенного иллюзионизма, так ценившегося некогда. Без понимания движения времени вещи в натюрмортах окажутся сталактитами в пещерах. И совсем невозможно будет правдиво рассказать об архетипической теме европейской культуры – vanitas, суете сует, которую способны трагически пережить лишь те, кто погружены в поток времени.

Ученая интерпретация проблемы натюрморта на примере кунсткамерных раритетов галантного века и эпохи романтизма весьма деликатно и тактично дополнена образцами неофициальной живописи советских и постсоветских времен. Игорь Макаревич, Елена Елагина, Виктор Пивоваров, Павел Пепперштейн, Илья Кабаков, Михаил Рогинский, Борис Турецкий в продолжение безвестных часто мастеров прошлого наглядно представляют тему границ реального и иллюзорного, визуального и вербального, в конечном счете, границ искусства как такового. И схожим образом следуют по пути создания альбомов, каталогов, архивов.

Какой же герой этих ученых натюрмортов своим присутствием обеспечивает континуальность в них Пространства и Времени? На выставке демонстрируют очень красивый мультфильм, в котором  по многим выставленным картинам летает бабочка. Здесь уголок конвертика отогнет. Там цветочек раскачает, так что его лепестки метелью по экрану завихрятся. Собственно, по мысли организаторов, эта бабочка своим присутствием и демонстрирует непрерывные метаморфозы мира чувственных вещей. Замечательно!

Александр Сигутин. Цветная капуста и брюссельская. Из серии «Сравнительные натюрморты». 1991. Государственная Третьяковская галерея

Однако убежден, что еще красноречивей об этих метаморфозах в контексте современного искусства свидетельствует самый частый гость натюрмортов начиная с XVII века – муха обыкновенная. На каждом втором выставленном в ГТГ натюрморте она ползает по стаканам, цветам, плодам, столам и бумагам. Согласно кредо романтика Федора Толстого, подобно цветам и предметам, все эти мухи «изображены в лучшую для себя минуту». Несуетно так изображены, тщательно, «филозофически», в соответствии с требованиями класса живописи «цветов и плодов» Императорской Академии художеств.

И вот что любопытно, в отличие от слишком декоративных бабочек мухи-труженицы и демонстрируют нам извечные превращения материи. Пространство оживает в жужжании тонких крылышек, время застигнуто врасплох благодаря предъявлению самого непарадного его мгновения – с мухой обыкновенной. Что лучше может напомнить о vanitas, чем муха-работяга, из-за которой черными «засидами» покрывается не только листочек из графической папки ГТГ? Муха – деконструктор привычного порядка вещей, первый концептуальный художник. Неспроста же она оказалась среди главных героев неофициального искусства, прежде всего у того же Ильи Иосифовича Кабакова, который посвятил мухам целый проект.

Для концептуалистов муха не только знак убожества быта и бытия. Это насекомое еще и индикатор того процесса, о котором написал в статье прекрасного каталога выставки сокуратор Кирилл Светляков: процесса очеловечивания мира неантропоморфного (муха замещает артиста) и расчеловечивания мира людского (предмет и насекомое заступают на место хозяина положения). Так что новая выставка еще и документация особой экзистенциальной драмы.

Сергей Хачатуров

Выставка «Натюрморт. Метаморфозы. Диалог классики и современности» открыта в Государственной Третьяковской галерее (Москва, Крымский вал, д. 10) до 24 февраля

© tretyakovgallery.ru

Государственная Третьяковская галерея объявила конкурс на корректировку проектной документации по строительству комплекса зданий музея на Кадашевской набережной в центре Москвы. Максимальная цена госконтракта составляет почти 400 млн рублей, сообщает РИА «Новости» со ссылкой на документы, размещенные на портале госзакупок.

Ранее Попечительский совет Третьяковской галереи одобрил предложенную музеем концепцию его развития до 2020 года, которая среди прочего предусматривает создание музейного квартала в районе Лаврушинского переулка и Кадашевской набережной.

Ряд существующих залов в новом здании планируется заменить на помещения для реставрации масляной живописи, скульптуры, архивных документов и графики. Планируется также предусмотреть конференц-зал, пресс-центр и кафе для посетителей с обзорным видом на Кремль, а также   технологическую связь между зданием музейного комплекса и депозитарием.

Трехчастная концепция развития Государственной Третьяковской галереи, рассчитанная до 2020 года, одобрена в марте этого года. Среди стратегических направлений деятельности музея — создание музейного квартала в районе Лаврушинского переулка, развитие Третьяковской галереи на Крымском валу, а также включение малых музеев в структуру основной деятельности.

Максимальный срок выполнения работ будет составлять шесть лет и один месяц с момента заключения госконтракта. Заявки на участие в тендере принимаются до 15 ноября, подведение итогов конкурса назначено на 29 ноября 2012 года.

Источник: РИА «Новости»

Материалы по теме:
Третьяковка требует нового здания, 23.03.12

Марк Шагал. Лиловая обнаженная. 1967. Бумага, коллаж из ткани и бумаги, гуашь, тушь. 24,3 x 20,6. Частное собрание, Швейцария © ADAGP Paris 2012. Trademark – Chagall ®

Марк Шагал. Истоки творческого языка художника
К 125-летию со дня рождения

15 июня — 30 сентября
Открытие 14 июня

Выставка малоизвестного графического наследия Марка Шагала. Значительную часть экспозиции составят произведения из собрания семьи художника (Париж). Остальные работы – всего более 150 произведений графики, скульптуры, живописи – поступили из Третьяковской галереи, ГМИИ им. А.С. Пушкина, Российского этнографического музея, Фонда П. Джанадда (Швейцария) и других российских и зарубежных музейных и частных коллекций.

Государственная Третьяковская галерея
Москва, Лаврушинский пер., д. 12, Инженерный корпус, 2-й этаж

© Фото со страницы Государственной Третьяковской галереи на Facebook

В четверг, 17 мая, в 19.00 в залах Государственной Третьяковской галереи на Крымском валу состоится открытие обновленной постоянной экспозиции отдела новейших течений. Экспозиция «Монументы и документы» расположится в залах № 39-42.

«В экспозиции «Монументы и документы» история искусства нонконформизма и современного искусства рассматривается как взаимодействие и переход от монументального модернистского мышления к постмодернистскому документальному, — рассказал в интервью «Артхронике» заведующий отделом новейших течений Кирилл Светляков. — Мы в экспозиции сталкиваем работы, которые могут иметь статус и классифицироваться как документы и произведения, представляющие собой некие варианты монументов. Этот переход от модернизма к постмодернизму, от монументов модернизма к документам постмодернизма, мы и хотим показать».

По словам Светлякова, в подборку войдут произведения, созданные в период  с шестидесятых до нулевых годов, начиная с кинетизма и сюрреализма до концептуализма и «новых художников».

Экспозицию будут замыкать разделы «Радикальный акционизм» (работы Олега Кулика, Анатолия Осмоловского, Авдея Тер-Оганьяна, Дмитрия Гутова) и «Постидеология» (произведения Дианы Мачулиной, Ирины Кориной, Ольги Чернышевой, Ростана Тавасиева, Арсения Жиляева и Анастасии Рябовой). Раздел «Археология» объединит работы Игоря Мухина, Валерия Кошлякова, Владимира Дубосарского, Авдея Тер-Оганьяна и др. Сразу четырьмя разделами будет представлена история московского концептуализма.

Комментируя состав новой экспозиции, Светляков добавил, что здесь впервые за долгое время будут показаны вещи, которые давно не экспонировались по причине своей маргинальности и ограниченности экспозиционных возможностей.

«Например, у нас есть рубашки Генриха Сапгира, — пояснил он, — а также небольшие камерные объекты Комара и Меламида. Есть их серия «Каталог суперобъектов суперкомфорта для суперлюдей», она не выставляется по причине своей хрупкости — это фотографии семидесятых годов, которые быстро выгорают».

Экспозиция в залах отдела новейших течений Государственной Третьяковской галереи меняется каждые два года. Проект «Монументы и документы» будет открыт до сентября 2013 года.

Источник: соб. инф.

Николай Фешин. К 130-летию со дня рождения

Николай Фешин (1881–1955) – представитель казанской художественной школы, ученик Ильи Репина. Выставка, которая уже была показана в Казани и Санкт-Петербурге, является частью масштабного проекта, инициированного Министерством культуры Республики Татарстан и поддержанного Министерством культуры Российской Федерации. В экспозиции будут представлены работы из шести американских музеев и  семи российских, в том числе Третьяковской галереи, а также из частного собрания.

Государственная Третьяковская галерея
Москва, Лаврушинский пер., 12, Инженерный корпус, 3-й этаж

СЕРГЕЙ ХАЧАТУРОВ о выставке Константина Коровина в Государственной Третьяковской галерее

Когда рассматриваешь самую большую в истории экспозицию творчества Константина Алексеевича Коровина (к 150-летию со дня рождения мастера), на которую собраны работы почти из пятидесяти музейных и частных собраний России и мира, не устаешь удивляться какому-то отчаянному хулиганству мастера, которое сродни, как бы сейчас сказали, состоянию полного улета. Вот смотрим, например, на его гурзуфский пейзаж 1916 года «Высокий берег». Моделирующая скальные уступы краска ложится какими-то комьями, которые объема такого, что сам Зураб Константинович Церетели обзавидуется. А дальний план построен на копошении радужных движков, которые и не думают подчиняться тональной гармонии. А небо? Ну что это за небо! Облака стелются рваными пятнами и не пытаются приходить в соответствие с нашим миметическим, правдоподобным восприятием. И вот она эврика! Тем не менее, картина удивительно цельная, мощная. Ворочающиеся красочные глыбы и легкие радужные синкопы создают такой именно образ, что заставляет верить: да, так и никак иначе! Вялый иллюзионизм по сравнению с Коровиным был бы в данном случае просто пошлым.

Константин Коровин. Бумажные фонари. 1898

Меньше всего Коровину удавались портреты. Полагаю, вот почему. Портрет требует большей пространственной дисциплины. Посаженный в саду или в интерьере персонаж, запечатленный на холсте мастером, требует точнейшей пространственной детализации своего пребывания внутри живописи. Нельзя размазать его по холсту в виде светлого или темного пятна и думать, что «поймал» мгновенье. Веселая это выйдет картинка, и более ничего. Коровин нарушал такие пространственные правила сплошь и рядом. Потому у него некоторые дамы с букетами выглядят, как бумажные куколки.

Вообще говоря, интересно уточнить генезис стиля художника. Вслед за Фаворским классик современной живописи Эрик Булатов, рассказывая о структуре картины вообще, выделяет несколько ее частей. Первое – это поверхность. Второе – пространство (или идущее из глубины на зрителя, или уходящее от зрителя в глубину). Наконец, третье – световая энергия самой живописи. Вот интересно, что, по моему глубокому убеждению, Коровин в минимальной степени использовал такие качества картины, как пространственное ее развитие и максимально – поверхность и световую энергию самой живописной субстанции. При этом, несмотря на то, что сравнивают Константина Алексеевича с французскими импрессионистами, радикализма в отношении презумпции поверхности у него было намного больше. Академик Дмитрий Сарабьянов считает, что в силу исторических причин в русском импрессионизме (прежде всего в лице Константина Коровина) выделяются два качества: этюдность и декоративность. Так вот эта самая декоративность обусловлена безотчетной влюбленностью в поверхность, позволяющей отступать от правил и превращать холст в пугающее и одновременно роскошное красочное месиво. А теперь вспомним, кто учился у Константина Коровина в Московском училище живописи, ваяния и зодчества. Конечно, Михаил Ларионов, Наталья Гончарова, Илья Машков – будущие гуру объединения «Бубновый валет», поставившие ценность плоскостного, «поверхностного» народного искусства (вывесок, подносов) в основание своего творческого метода. Некоторые натюрморты Коровина (с рыбами и фруктами 1916 – 1917 гг.) словно сделаны в пандан к уже активно работающим в это время «валетам».

Если парижская тема и работа Коровина для русского театра хорошо известны, то менее исследована та тема, что дала название одной из статей роскошного каталога выставки: «Константин Коровин – один из родоначальников стиля модерн в России» (автор Евгения Кириченко). Следует иметь в виду, во-первых, его тончайшие северные пейзажи, которые он делал и в России, и в Скандинавии в середине – второй половине 1890-х годов, а во-вторых, создание им павильонов Крайнего Севера на Нижегородской выставке 1896 года и Кустарного отдела на Всемирной выставке 1900 года в Париже.

Константин Коровин. Париж. Бульвар Капуцинок. 1906

Первая поездка на Север в 1894 году была спродюсирована Саввой Мамонтовым, желавшим оживить регион и проложить там железную дорогу. Коровин пишет Лапландию, Норвегию. Его «Северное сияние. Гаммерфест» по красоте световых снопов, прорезающих бархатную мглу и особым мерцающим «светлячковым» дорожкам, прочерчивающим водную поверхность, наверное, даже превосходит некоторые из его волшебных декораций к операм-сказкам.

Павильоны для Нижнего Новгорода и Франции – это увиденные сквозь кривые зеркала русские избы с непомерно вытянутыми кровлями, завершающими крыльца щипцами, гигантскими узорчатыми луковицами-бочками. Вспоминая павильон Крайнего Севера в Нижнем Новгороде, художник Н.А. Прахов писал: «Павильон был построен по проекту Коровина. В основу его взят деревянный сарай норвежской фактории с высокой крутой крышей, сплошь застекленной для данного случая. Коровиным были написаны для него великолепные панно». Десять из них после долгой реставрации выставлены на экспозиции в ГТГ. Любопытно, насколько точно чувствует художник специфику работы в архитектурном пространстве, которое ему надо «держать» и структурировать. Никакой вам самодостаточной поверхностности, вместо нее – четкие планы, дальние горизонты, скупая цветовая гамма, подчеркнутая силуэтность и графичность манеры. В подобном же стиле модерн – и впервые показанное, созданное в необычной, почти пунктирной технике панно 1906 года «Старый монастырь».

Ну а на сладкое в Третьяковке вы можете сполна насладиться огромным количеством эскизов костюмов и декораций Константина Алексеевича к шедеврам мировой оперы и балета: к «Коньку-Горбунку», «Дон-Кихоту», «Демону», «Жизни за царя», «Садко» и «Фаусту». Декораций там настолько много (включая две, раскатанные по торцевой стене огромного зала ГТГ на Крымском валу), они настолько восхитительны, что счастливо впасть в детство никому не возбраняется.

Сергей Хачатуров

Выставка «Константин Коровин. Живопись. Театр. К 150-летию со дня рождения» в Государственной Третьяковской галерее (Крымский вал, д. 10) продлится до 12 августа