Пабло Пикассо. Натюрморт с тюльпанами (фрагмент). 1932 © Sotheby's

Всего в четверг было продано шесть работ художника, за которые Sotheby’s выручил свыше $81 млн. Вторым самым дорогим лотом торгов оказалась работа «Женщина у окна (Мари-Терез)» (1936), цена на которую составила $17,2 млн. Рисунок «Изнасилование», выполненный 2 мая 1940 года карандашом и чернилами на бумаге, ушел с молотка за $13,5 млн, став третьим по цене лотом аукциона импрессионистов.

Среди других топ-лотов вечера – «Поле ржи» Клода Моне (написано в 1881 году, продано за $12,1 млн), «Стоящая обнаженная» Поля Сезанна (1898-99, $5,3 млн), «Две полулежащие фигуры» Генри Мура (1959, $4,7 млн) и др.

Источник: sothebys.com, РИА «Новости»

Василий Кандинский (1909). Эскиз к импровизации № 8.

Суммарная выручка торгов искусства импрессионизма и модернизма аукционного дома Christie’s, прошедших вчера в Нью-Йорке, составила $204,8 млн. В торгах принимали участие коллекционеры со всего мира, результатом стала продажа 70% от всех предложенных лотов, но цена которых составила 80% от ожидаемой суммы. Из 69 произведений искусства 5 лотов были проданы более чем за $10 млн, 10 лотов – выше $5 млн, 31 работа – выше $1 млн.

Самой дорогой работой оказалась картина Клода Моне «Кувшинки» (1905), ушедшая с торгов на $43,8 млн. Полотно, изображающее вид на пруд в Живерни, было написано во время работы над серией зарисовок пруда, расположенном в саду художника. С 1905 по 1908 год Моне создавал по одной картине каждые три недели, результатом чего стали более 60 композиций с видом на пруд. Самые лучшие работы, включая настоящее полотно, были отобраны для его выставки в галерее Дюрана-Рюеля в Париже в 1909 году. Работа ушла покупателю из Америки, а цена на нее стала второй по величине, отданной за произведение художника на аукционе.

Одним из фаворитов аукциона и второй самой дорогой работой торгов стал написанный в 1909 году «Эскиз к импровизации № 8» Василия Кандинского, ушедший с молотка за $23 млн, что является новым ценовым рекордом для произведений художника. Предыдущий рекорд установлен в 1990 году и составлял $20,9 млн. «Эскиз к импровизации № 8» выставлялся на продажу из собрания фонда братьев Фолькарт, а выручка от его продажи будет направлена на благотворительность.

Подборку работ Пабло Пикассо возглавил портрет Доры Маар 1938 года под названием «Женский бюст», проданный за $13,1 млн.

В секции скульптур самой дорогой стала выполненная  из гипса работа Константина Бранкузи  (1912) под названием «Муза», проданная за $12,4 млн. Впервые работа была показана публике в рамках «Арсенальной выставки» в Нью-Йорке. Новый владелец скульптуры уже получил предложение одолжить работу для намеченной на 2013 год выставки в честь 100-летия этого события.

Также не осталась без внимания и подборка бронзовых скульптур работы Альберто Джакометти. Его «Нога», являющаяся одной из финальный скульптур в серии, изображающей части человеческого тела, была приобретена галереей Ричарда Грея за $11,3 млн. Еще две работы Джакометти, выполненные в 1957-58 годы, ушли с молотка за $6,8 и $5,6 млн.

Музей «Кюнстхал» в Роттердаме (Голландия) © Wikifrits / Wikipedia

Картины Пикассо, Моне, Матисса, Гогена и Фрейда были похищены в ночь с понедельника на вторник из музея «Кюнстхал» в голландском городе Роттердаме, сообщает BBC. Работы экспонировались на выставке собрания фонда Triton, организованной в честь его юбилея.

Среди похищенных полотен – «Мост Ватерлоо» Клода Моне, «Голова Арлекина» Пабло Пикассо, «Читающая девочка в белом и желтом» Анри Матисса, «Женщина перед открытым окном» Поля Гогена и еще ряд работ.

Представитель музея рассказал, что ночью происходила смена охранников в то время, когда выключалась сигнализация. Преступники успели скрыться до приезда полиции. По мнению правоохранительных органов, преступление было запланированным.

Данная выставка, омраченная этим инцидентом, стала первой полномасштабной демонстрацией коллекции фонда. Помимо перечисленных выше авторов здесь хранятся работы Поля Сезанна, Сальвадора Дали, Роя Лихтенштейна и др.

Источник: BBC

Пабло Пикассо, «Сидящая женщина в красной шляпе». Деталь. © media.rtv.net

Картина Пабло Пикассо «Сидящая женщина в красной шляпе» (Femme assise au chapeau rouge) уже 49 лет находится в Музее изобразительных искусств, истории и науки Эвансвилля, штат Индиана, однако по ошибке оказалась в запасниках.

Музей получил картину в дар от промышленного дизайнера Раймонд Лоуи в 1963 году. При передаче картины ее по ошибке внесли в каталог как работу неизвестного автора, приняв французское обозначение живописи на стекле за фамилию художника. При этом в верхнем правом углу картины отчетливо различима подпись Пикассо.

Теперь руководство музея намерено продать картину на аукционе, ее стоимость пока неизвестна. Отметим, что в собрании музея Эвансвилля также находится несколько рисунков работы Пикассо.

Ранее сообщалось, что министр культуры Великобритании Эд Вейзи наложил временный запрет на вывоз из страны картины Пабло Пикассо «Ребенок и голубь». Одна из редко выставляемых работ Пикассо, портрет Биби Ла Пюре, сейчас экспонируется в лондонской Национальной галерее.

Источник: The Guardian

Пабло Пикассо, "Ребенок с голубем", 1901. Деталь © wikipaintings.org

Картина Пабло Пикассо «Ребенок с голубем» (1901), стоимость которой оценивается в $79 млн, в частном порядке была продана Christie’s неизвестному иностранному покупателю. До этого, с 1947 года, она принадлежала аристократическому уэльскому семейству Аберконвей.

С 1970-х гг. картина экспонировалась в различных музеях Великобритании, сейчас она временно выставлена в Национальных галереях Шотландии.

Наложив запрет на вывоз картины до декабря, правительство дает музеям возможность выкупить работу Пикассо. Недавно музей Ашмола в Оксфорде выкупил «Портрет мадемуазель Клаус» Эдуарда Мане (1868) за £7,83 млн.

Деньги на приобретение картины должны поступить до 16 декабря 2012 года с возможностью отсрочки до 16 июня 2013 года.

Источник: BBC

]]> http://artchronika.ru/news/child-with-a-dove/feed/ 0 http://artchronika.ru/vystavki/%d0%b0%d0%b3%d0%b5%d0%bd%d1%82-%d0%b2%d0%bb%d0%b8%d1%8f%d0%bd%d0%b8%d1%8f/ http://artchronika.ru/vystavki/%d0%b0%d0%b3%d0%b5%d0%bd%d1%82-%d0%b2%d0%bb%d0%b8%d1%8f%d0%bd%d0%b8%d1%8f/#comments Wed, 25 Apr 2012 07:00:33 +0000 artchronika http://artchronika.ru/?p=10324 АНДРЕЙ ШЕНТАЛЬ о выставке «Пикассо и современное  британское искусство» в галерее Тейт

«Если Британия не имела особого значения для Пикассо, то Пикассо был очень важен для британского  искусства», – такими словами открывает  каталог выставки, исследующей влияние Пикассо на Соединенное Королевство, директор галереи Тейт Британ Пенелопа Кертис. Конечно, самому прославленному художнику первой половины двадцатого века, который произвел в изобразительном искусстве настоящую революцию, было нечего делать в этом консервативном государстве. Пикассо побывал в Британии всего лишь два раза и мог убедиться, что здесь нет сильной художественной традиции, что авангард незначителен, а критика и публика не готовы принять его работы.

Однако выставка «Пикассо и британское искусство» делает присутствие художника столь ощутимым, что начинается казаться, будто Пикассо провел здесь всю свою жизнь. С одной стороны, выставка исследует его влияние на самых важных художников Британии, таких, как Дункан Грант, Генри Мур, Фрэнсис Бэкон и т.д. С другой стороны, она реконструирует присутствие Пикассо на художественном рынке, благодаря которому публика, да и сами эти художники узнавали о его работах. Таким образом, Тейт посвящает нынешнюю выставку своему совету попечителей, отвлекая зрителя академическим исследованием. В этом несложно убедиться, следуя за линией повествования из зала в зал.

Пабло Пикассо. Натюрморт с мандолиной. 1924© Succession Picasso / DACS 2011 © Collection Stedelijk Museum Amsterdam

Благодаря Роджеру Фраю, теоретику группы «Блумсбери», британская аудитория увидела две важнейшие  выставки – «Мане и постимпрессионизм» (1910) и «Вторую выставку постимпрессионизма» (1912). Формалисту Фраю было далеко и до Герберта Рида, который начал анализировать Пикассо с точки зрения психоанализа, и тем более до американских критиков, предпринявших в шестидесятые годы структуралистский анализ его работ. Фрай рассматривал кубизм всего лишь как искусство эстетической чистоты, находящееся на стыке с дизайном. Работы другого члена группы, Дункана Гранта, свидетельствуют о согласованности между теорией и практиками этого объединения. Грант покупал работы Пикассо, изучал их и перенимал его приемы, при этом сводя все радикальные техники авангардного художника к простому декорированию. Как показывает выставка, прием коллажа он трактовал как самую простую его разновидность – papier collé, то есть попросту наклеивал на холст кусочки бумаги («Стенд для лепки», 1914). Любопытно, что даже эти аппликации он делал крайне робко. Некоторые кусочки умещаются в тот предмет, который они и формируют (например, торец столешницы или теневые части ножек). При этом другие элементы закрашены обильным слоем краски, так что их края невозможно разглядеть. В этом смысле эксперименты Гранта оказываются едва ли более смелыми, чем орнаментальные композиции позднего Матисса. Сравнивая две другие работы — «Бочонок» (1913) Гранта и «Вазу с цветами» (1908) Пикассо — легко заметить, что британский художник совершенно не понял анализа синтаксиса картины, предпринятого кубистами: конституирующую структурную штриховку он трактует как орнаментальный узор «елочка».

Куда прозорливее оказались  вортицисты (британское ответвление кубизма, существовавшее в Англии в начале XX века, – «Артхроника») во главе с Уиндхемом Льюисом.  Льюис также предпринимает наивную попытку кубистического анализа действительности, о чем свидетельствуют решетки его «Мастерской» (1915–1916). Пространственное мышление Пикассо ему все-таки не свойственно, и его работа имеет больше точек пересечения с итальянским футуризмом. Но более важно то, что этот художник и теоретик ценил сам предмет полотен Пикассо – незначительные и несущественные объекты, заимствованные из современности и разрушающие традиционную иерархию высокой и низкой тем. Только в зале вортицизма можно ощутить политическое влияние художника, который подверг буржуазный жанр натюрморта безжалостной деконструкции.

Следующий по списку – Бен Николсон, который известен в первую очередь  своими белыми рельефами и абстрактными работами, в не меньшей мере находился под  воздействием Пикассо, если верить экспликации. Работы обоих художников в этом зале перемешаны, но их очень легко различить: объекты Николсона более умерены в плане деталей композиции и цветового решения. В каком-то смысле он оказался даже более «испанским» художником, чем сам Пикассо. Описывая его «голубой период», Гертруда Стайн объясняла холодность палитры тем, что его родина «не похожа на другие южные страны, она не многоцветна, в Испании есть только черное, белое, серебряное или золотое; ни красного, ни зеленого там нет вообще».

Черным и белым написана картина «1933. Сен-Реми Прованс», загадочный автопортрет художника с женой – известным скульптором Барбарой Хепуорт. Работа представляют собой пятно черной краски, на котором процарапаны силуэты, разбивающие пятно на два очертания.  Интересно, что здесь происходит разделение картины на два плана: имматериальный и реальный, то есть на платоническое, расплывающееся, дисперсное черное пятно (идея супругов в качестве единого субъекта) и грубый материалистический жест (физическое процарапывание красочной материи холста). Но эта картина заставляет вспомнить не только об «эйдосах» Платона, но и об откровенно позаимствованном у Пикассо мотиве двойного лица, который возникает на заднем фоне, явно намекая на диалог «Пир» и знаменитые андрогинные «половинки», приросшие друг к другу.

В этом контексте особенно интересным оказывается сопоставление Генри Мура и Пикассо, причем новаторских скульптур первого и реакционных картин второго. Неудивительно, что при таком контрасте Мур выглядит намного прогрессивнее, радикальнее, современнее. То, что у Пикассо отчетливо артикулировано, у Мура выражено лишь обиняками или намеками. Если живописец подчеркивает все выпуклости и выемки тела, то у скульптора они едва угадываются, еле заметно проступают на гладкой поверхности камня. Модернистские поиски в скульптуре привели Мура к утверждению принципа «верности материалу», то есть к тому, что «материал может принять участие в формировании идеи». Таким образом, дерево или камень подсказывали скульптору будущий образ и определяли путь его инструмента. Более того, по мнению Мура, скульптура должна жить своей собственной жизнью вне зависимости от того, что она репрезентирует. Пикассо же, хоть и мыслил пространственно, создавал женские фигуры на плоской поверхности холста, руководствуясь лишь своим воображением. К тому же как в своих ранних, так и в поздних работах он применял краску, то есть то, чего скульптура модернизма часто избегала. Используемый им розовый цвет или, как он сам говорил, «цвет здоровья» подчеркивает полнокровность, привлекательную свежесть и молодость его искаженных натурщиц. Если Пикассо оказывается одержимым «телесностью» тела, то Мур и Николсон говорят скорее об идеях, нежели об их воплощении. Поэтому эти сопоставления основаны лишь на внешнем сходстве, а не на сущности их работ.

Более верной оказывается  трактовка влияния Пикассо на Грэма Сазерленда. Британский художник использовал изобретенный им метод  так называемой «парафразы»: он выбирал определенный мотив – прежде всего, сучки и колючки – который затем подвергал искажающей обработке, чтобы выявить экспрессивный потенциал предмета. Он предпочитал объекты, которые уже изначально были «кубистическими», и потом лишь подчеркивал различность преломлений и множественность ракурсов, с которых объект преподносит себя зрителю. К тому же его цикл, посвященный страданиям Христа («Голова в шипах», «Распятие», «Снятие с креста», все – 1947 года), дает право сравнивать его с «Герникой» (1937), которую британский художник прекрасно знал. Но здесь, к большому разочарованию, куратор не говорит ни слова о политике, а лишь о заимствовании пластических мотивов.

Ясно, что ни Сазерленд, ни его последователь Фрэнсис Бэкон не разделяли гедонизма, характерного для определенных периодов творчества Пикассо, но они оба восприняли трагический надрыв и надломленность его «Герники» или «Плакальщиц». Если Сазерленд продолжает развертывать фигуру на поверхности холста и использовать яркие цвета, то зрелый Бэкон останется верен лишь трагическому мироощущению, сделав его еще более мрачным, сновидческим, кошмарным. Но чем дальше куратор заглядывает в двадцатый век, тем менее убедительными оказываются параллели. В случае последнего рассмотренного на выставке художника Дэвида Хокни вообще сложно говорить о влиянии, так как речь скорее о признании и преклонении, а порой и насмешке (например, в своем рисунке «Студенческое посвящение Пикассо» Хокни позирует Пикассо обнаженным). Таким же постмодернистским пастишем и цитированием являются его фотоинсталляции, где натюрморты с гитарой и нарочитым использованием искусственных фруктов сняты на полароид с разных ракурсов и демонстрируются как единое «полотно» («Натюрморт с голубой гитарой», 1982). Таким образом, при помощи новой техники Хокни вводит множество точек зрения и добавляет в работу присутствие времени. Но это не условное время Пикассо, а реальное время – интервалы между съемкой кадров и сама процессуальность проявки полароида. Когда Гертруда Стайн писала о Пикассо, она подчеркивала его умение видеть и не помнить, то есть воспроизводить те неожиданные и неотрефлексированные ракурсы, которые память обычно автоматически реконструирует в знакомое лицо. Совместив фрагментарность видения Пикассо с техникой фотографии, Хокни сумел красноречиво показать, насколько взгляд этого художника был созвучен техногенной эпохе двадцатого века.

Пабло Пикассо. Три танцовщицы. 1925 © Tate / Succession Picasso / DACS 2011

Если не задаваться вопросом о том, актуальны ли сейчас рассуждения  о стилевых влияниях, надо признать, что выставка «Пикассо и британское искусство» – качественное и весьма убедительное исследование. Благодаря ей можно проследить, как английское искусство из провинциального и незрелого становится солидным и уверенным в себе. Если поначалу оно наивно заимствует приемы в чисто декоративных целях, не понимая их подлинного смысла, то позже начинает переосмыслять их на более глубоком уровне, а затем подводить итоги и даже ставить отметки. Противопоставляя менее известных британцев «великому мастеру» и «гению», выставка могла легко выставить художников эпигонами и подражателями. Но они развешены вперемешку с Пикассо таким образом, что даже самый неподготовленный зритель легко понимает, кто из них кто. И пока посетитель играет в угадайку, он совершенно забывает о том, что искусство Пикассо (в особенности – его «Герника») имело сильную политическую подоплеку, что Пикассо состоял в коммунистической партии, а его идеологическое влияние было не менее велико, чем его формальные находки. Но в залах «Тейт» Пикассо выглядит абсолютно аполитичным художником, имеющим значение скорее для коллекционеров или знатоков, чем для зрителей.

Особенно это подчеркнуто  тем, что самым удачным и оригинальным моментом выставки оказался кропотливый и детальный исторический анализ рынка работ Пикассо. Так, несколько залов посвящены собирательству, и все описательные тексты являются тем, что аукционеры называют «провенанс» — коллекционной биографией работ, придающей им рыночную стоимость. Исследователи делают это с такой подробностью и тщательностью, что сами работы теряют свой смысл вне художественного рынка. Поэтому последний зал, где показывают лишь одну работу — «Три танцовщицы» (1925), окончательно раскрывает истинные намерения музея. Ее выставляют не как достижение Пикассо, имевшее свое значение для его последователей, но как спешную сделку его биографа Ролана Пенроуза, который сумел уговорить художника продать ее музею. Таким образом, работы Пикассо оказываются значимыми не в силу заключенного в них политического послания или хотя бы влияния на визуальное искусство, а лишь в силу их институциональной признанности и рыночной стоимости.

Андрей Шенталь

Выставка «Пикассо и современное  британское искусство» открыта в  галерее Тейт до 15 июля

«Выставка называется «Искушение». Для кого это искушение, не знаю. Конечно, общественность обращалась к нашему (областному) министру культуры, но министр до сих пор не отвечает. Не знает, что сказать, потому что эта выставка запрещена во всем мире и даже в Москве ее не показали. Только у нас в городе эта выставка показана», – заявил митрополит.

«Причем написано «детям до 18 лет», а показывают анонс по телевидению – стоят только дети, везут автобусами. Все с ранцами стоят и смотрят… все виды извращения. Говорят, что самая креативная выставка, которая просвещает разум новосибирцев. Чем просвещает? По-моему, жизнью через замочную скважину не особо просветишься», – добавил митрополит.

Вместо этого он предложил организовать в музее выставку, посвященную российской истории и вкладу в исторические события сибиряков, ссылаясь на тот факт, что правительство объявило 2012 год Годом российской истории.

На выставке «Пабло Пикассо. Искушение» представлено 105 работ из цикла «Suite 347», выполненных в технике литографии в 1990–1992 годах с оригинальных гравюр Пикассо. Репродуцирование работ происходило с разрешения и под наблюдением потомков Пикассо, в мастерской, выполнявшей ранее многочисленные графические работы художника.

Серия гравюр «Suite 347», получившая название по количеству вошедших в нее листов, была создана Пикассо в 1968 году. Работы, многие откровенного содержания, были экспонированы в Чикаго и Париже. Обе выставки вызвали скандал и привели к цензурированию работ. В полном объеме «Suite 347» находится в семи общедоступных музейных собраниях, в частности, в Музее Пикассо в Барселоне, Национальной библиотеке Франции и Музее Людвига в Кельне.

Источник: ria.ru, museum.nsk.ru

Пикассо познакомился с 21-летней Франсуазой Жило в 1943 году в Париже, где художник жил во время нацистской оккупации. С 1948 года они поселились в городе Валорисе на Юге Франции и прожили вместе до 1954 года. Жило родила от художника нескольких детей, она часто была моделью для его живописных и графических работ. В этот период Пикассо начинает экспериментировать с литографией, а также создает керамические работы и скульптуры из бронзы, спроектированные по моделям, смонтированным из отбросов.

«Годы, проведенные в Валорисе, очень важны в творчестве Пикассо, – рассказал искусствовед и знаток творчества Пикассо Джон Ричардсон. – Художник произвел революцию в керамике, сделав ее искусством. Он также заново открыл литографию, придав ей новый импульс».

Этим проектом Гагосян обратится к работам Пикассо в четвертый раз. Первая выставка — «Мушкетеры» (Нью-Йорк, 2010) — объединила поздние работы художника, созданные в шестидесятые-семидесятые годы. Следующий проект — «Годы в Средиземноморье» (Лондон, 2012) — был посвящен влиянию на творчество художника Средиземноморья. Третьим проектом стала экспозиция «Пикассо и Мари-Терез» (Нью-Йорк, 2011) о взаимоотношениях художника с Мари-Терез Вальтер. Здесь были представлены работы Пикассо с 1927 по 1940 гг.

В настоящий момент во всех филиалах галереи Ларри Гагосяна идет выставка «точечных» работ Демиана Херста.

Источник: sfgate.com

Антонио Бандерас © David Shankbone

Испанский актер Антонио Бандерас сыграет роль Пабло Пикассо в фильме Карлоса Сауры «33 дня», посвященном созданию картины «Герника» (1937). Об этом сообщает издание Variety.

«Пикассо – это образ, который уже долго преследует меня и который я все время отвергаю. Но он заслуживает больше почтения – ведь я из Малаги и родился в трех кварталах от того места, где появился на свет сам художник», — рассказал Бандерас в интервью испанской газете El Pais.

Фильм «33 дня» посвящен жизни Пикассо и его эмоциональному состоянию во время работы над знаменитым полотном, описывающим военные события в испанском городе Герника в провинции Бискайя во время Гражданской войны в Испании. В 1937 году город подвергся массовым бомбардировкам со стороны немецкой армии при поддержки итальянской авиации, несколько тысяч человек числились убитыми или ранеными.

Во время этих событий Пикассо жил в Париже. В 1937 году он получил заказ от испанского республиканского правительства на создание работы для Испанского павильона на Всемирной ярмарке в Париже того же года. Сначала художник принял предложение без энтузиазма, однако, узнав о трагических событиях в Гернике, решил изобразить их в кубистическо-сюрреалистическом стиле.

Работа, достигавшая более трех метров в высоту и около восьми метров в длину, вызвала сильный резонанс на открытии выставки. В этом же году она была показана в Нью-Йорке и Сан-Франциско. В настоящее время полотно хранится в Центре искусств Королевы Софии в Мадриде.

Источник: variety.com, artinfo.com

Пабло Пикассо. Женская голова. 1939

Картины Пабло Пикассо чаще всего становятся объектами краж. Такие сведения приводит издание Mirror, ссылаясь на данные, опубликованные компанией Art Loss Register.

Согласно приведенной информации, пропавшими числятся 1147 произведений Пикассо. Самой последней из работ мастера была похищена картина «Женская голова» (1939) из Национальной галереи в Афинах в январе этого года.

Второе место в списке занимает американский художник Ник Лоуренс, 557 работ которого были похищены в 2004 году. За ним следуют Марк Шагал (516 украденных работ), Карл Аппель (505 работ) и Сальвадор Дали (504 кражи).

Десятку самых популярных среди похитителей авторов замыкают Хуан Миро, Дэвид Левайн, Энди Уорхол, Рембрандт и Петер Райнике.

Источники: mirror.co.uk, dailymail.co.uk